Los fotógrafos siempre tenemos que aprender. Y no todo se reduce a la técnica o al mal entendido instante decisivo. En su libro ‘Más allá del encuadre: Psicología del hecho fotográfico’, Alfredo Oliva Delgado nos enseña la relación entre la fotografía y la psicología.
Demuestra y explica que la estética y la percepción afectan nuestra comprensión de las imágenes. De una forma sencilla y directa, abierta a todos los que llevamos la cámara al hombro.
Los ensayos de fotografía son el ‘Ulises’ de nuestro mundo. Todos los conocen, pero pocos los han leído, más allá del ámbito académico. Pero Alfredo Oliva —Doctor en Psicología y Profesor Titular del Departamento de Psicología Evolutiva y de la Educación de la Universidad de Sevilla—, habla de la Gestalt, la psicofísica y la psicología cognitiva con la fluidez de un profesor que conoce a la perfección su materia y que sabe que para enseñar no necesita perder a los alumnos con textos ininteligibles.
Esta es la virtud de un libro que deberíamos leer todos los que sabemos que no es obligatorio hacer revelados imposibles, buscar localizaciones increíbles o comprar cámaras más avanzadas, para hacer una buena fotografía.
La psicología de la percepción como fundamento creativo
Lo bueno de la lectura de este libro es que descubres cosas que desconocías, o que te permite afianzar tus ideas. O mejor aún, ponerlas en duda para avanzar.
Nos presenta la figura de Gustav Theodor Fechner, uno de los pioneros en la relación entre la psicología y la percepción visual. Su trabajo sobre la psicofísica sentaron las bases para entender la conexión entre los estímulos sensoriales y la respuesta emocional del espectador. Esta conexión es esencial para comprender por qué ciertas imágenes fotográficas nos impactan de manera más profunda que otras.
O nos explica de una forma convincente la composición fotográfica con las leyes de la Gestalt, como la Ley de la Proximidad, la del Cierre y la de la Similitud. Lejos de ser meros conceptos académicos, el autor los ilustra con claros ejemplos de la historia de la fotografía.
Nos recuerda como fotógrafos como Lee Friedlander o Chema Madoz juegan con estos principios para crear “juegos visuales interesantes y divertidos”.
El cerebro busca patrones, y la yuxtaposición de elementos aparentemente inconexos puede crear un significado y una emoción profundos. De este modo, el acto de mirar se convierte en un acto de cocreación, donde el fotógrafo y el espectador se encuentran en un espacio intermedio.
Nos deja claro que la experiencia estética no es fija ni universal, sino que evoluciona con la educación visual.
La mirada de los fotógrafos libre de tópicos
Estamos ante un libro de texto que nos guía y descubre cómo enfrentarnos a nuestra mirada fotográfica. Y nos enseña cómo somos. No os confundáis, por supuesto no es un libro de autoayuda.
Descubre otra forma de mirar el acto fotográfico, para darnos nuevas ideas para dialogar sobre algo que algunos consideran tan sencillo como apretar un botón.
Por poner un ejemplo. Siempre acudimos a la idea de los fotógrafos espejo o ventana. Pero aquí nos ofrece algo más complejo y quizás más interesante que lo que nos contó John Szwarkoski una vez.
Los fotógrafos “dependientes de campo” se sumergen en la complejidad de la escena, mostrando una “mirada humanista” que aísla a los protagonistas de su entorno. En cambio, los “independientes de campo” prefieren aislar elementos de la realidad para analizarlos, creando encuadres cerrados y abstracciones.
Un ejemplo notable es Saul Leiter, quien usaba teleobjetivos para acercar los planos, creando “abstracciones de enorme plasticidad”. Esta categorización no busca etiquetar, sino ayudar a los fotógrafos a entender su propia forma de “mirar el mundo” y la de otros.
Y podemos seguir con el concepto de la “ambigüedad polisémica”, en la que una imagen sencilla en su forma puede ser compleja a nivel interpretativo. La polisemia en la fotografía explica el trabajo que tiene que desarrollar el espectador como observador.
Emoción y fotografía
Las emociones forman parte de la fotografía y no debemos separarlas. Las imágenes fotográficas tienen una capacidad única para evocar emociones intensas en el espectador, ya sea a través de la empatía o de la fascinación estética.
Distingue entre dos tipos de emociones:
- Las directas, que surgen por la identificación empática con los sujetos de la imagen.
- Las estéticas, generadas por la belleza estructural de la fotografía.
Y entra también el tema que más he disfrutado y peleado en los últimos años, la composición. Es una parte fundamental de las emociones que puede llegar a romper con las convenciones formales. Ahí están las miradas de Diane Arbus o Joel-Peter Witkin, que demuestran cómo lo grotesco o lo monstruoso también puede evocar una respuesta estética intensa.
La influencia de los estilos cognitivos
‘Más allá del encuadre’ introduce un concepto fascinante en su análisis de la fotografía: los estilos cognitivos de procesamiento visual. Basándose en las teorías de la psicología cognitiva, el autor describe cómo los estilos de percepción, como la dependencia o independencia de campo, influyen en la forma en que los observadores interpretan una imagen.
Por ejemplo, los individuos con un estilo más dependiente de campo tienden a centrarse en los detalles y la complejidad, mientras que los que son independientes de campo prefieren imágenes más simples y equilibradas.
Este análisis es especialmente relevante para entender cómo las personas responden de manera diferente a la fotografía. Mientras que algunos se sienten atraídos por composiciones complejas y ricas en detalles, otros prefieren la simplicidad y el minimalismo visual. Además, Oliva destaca que la formación visual también puede alterar estos estilos cognitivos, haciendo que los expertos en fotografía desarrollen una mayor tolerancia hacia la complejidad.
La creatividad fotográfica
El último apartado de ‘Más allá del encuadre’ se centra en el proceso creativo en la fotografía. Explora las distintas fases de la creación artística, desde la inspiración inicial hasta la ejecución final. A través de un análisis comparativo de diferentes fotógrafos, describe cómo algunos trabajan de manera más impulsiva y reactiva, mientras que otros siguen un enfoque más reflexivo y metódico.
Este contraste entre la impulsividad y la reflexión es fundamental para comprender las diversas formas en que los artistas abordan la creación fotográfica.
También destaca la importancia del contexto y la formación en el desarrollo de la creatividad fotográfica. La fotografía no es solo el resultado de un momento de inspiración, sino que está influenciada por el entorno cultural, social y personal del fotógrafo. Esto pone de manifiesto cómo la fotografía es un medio altamente subjetivo y cómo el proceso creativo varía enormemente de un artista a otro.
‘Más allá del encuadre’, un ensayo único
‘Más allá del encuadre’ es una obra relevante para cualquier interesado en la fotografía, no solo como técnica artística, sino como fenómeno psicológico.
A través de su análisis detallado de la complejidad visual, la ambigüedad y la emoción, Alfredo Oliva Delgado nos muestra que la fotografía es mucho más que una representación estática de la realidad; es un arte que involucra la mente y las emociones del espectador en un proceso continuo de interpretación y reflexión.
La riqueza de conceptos psicológicos aplicados a la fotografía que se exploran en este libro lo convierten en una herramienta valiosa para comprender mejor el poder visual y emocional de las imágenes.
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