Acaba de llegar a Madrid la última exposición de Sebastiao Salgado: ’Amazonia’. Un trabajo espectacular que venden como una experiencia vital. No vamos a ver una exposición fotográfica de un clásico vivo, sino otra cosa más cercana al puro espectáculo barroco.
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Hace tiempo que tengo ganas de ordenar las ideas para la fotografía que pueblan mi cabeza. Unificar apuntes, textos, artículos, talleres y demás para darles forma. Y quiero empezar por todo lo que podemos hacer antes del disparo.
La fotografía nace de la necesidad de enseñar, en un primer acercamiento y de contar cuando se tiene claro el camino a seguir. Es fruto de las experiencias de cada uno. Algunos escriben, otros cantan, muchos se callan. Y nosotros tenemos nada más y nada menos que una cámara.
Puede que disparemos al azar, pero estamos condicionados por el mundo que nos rodea. Y si queremos mejorar como fotógrafos, no debemos cambiar de cámara, sino fijarnos más en nuestra vida.
Para ser buen fotógrafo hay que hacer lo mismo que con cualquier profesión: trabajar.
Muchas veces una imagen nace de un libro, una película o de un cuadro. Siempre fruto de nuestra historia personal.
La fotografía es fruto de la experiencia para la mayoría de nosotros. Algunos nacen con el don, otros creen que lo tienen. Y se dice que algunos saben relacionarse, lo que también es considerado por muchos como una virtud.
Muchas fotos que he hecho ya estaban en mi cabeza. He elegido el momento por una escena, por un párrafo o incluso por una historia que me contaron. Incluso en la playa de Las Catedrales, donde algunos solo ven turistas, he sentido que tenía que hacer esos disparos.
Y el primer clic me ha llevado a los demás, hasta intentar lograr el mejor de todos. Con el paso del tiempo decidiré si son buenos. También dependerá de la edición y el revelado (en menor medida).
Como veis, es difícil saber dónde nacen las fotografías, pero intentaremos averiguarlo a partir de esta serie de artículos. Sospecho que dependerá de cada uno de nosotros. Solo necesitamos que nos enseñen a verlo.
Llevo más de 30 años haciendo fotografías. He tocado muchos palos, conocido a los grandes y me he rodeado de alumnos. Y puedo decir, con seguridad, que no he encontrado ningún patrón para ser buen fotógrafo, pero sí que puedo señalar muchas cosas que nos pueden ayudar antes del disparo.
La mejor fotógrafa que he conocido en mi vida era una mujer sin techo con problemas físicos, mentales y todos los estigmas de una sociedad capitalista. En un taller que di, cuando trabajaba de voluntario en una ONG, consiguieron cámaras desechables para todos.
Ella se llevó la suya y, al cabo de un tiempo, nos la devolvió para revelar el resultado. Allí empezamos a ver el mundo sin tapujos a través de sus ojos: la pura vida de una manera perfecta y única. Y solo con 36 disparos.
Fue tan impresionante que le dimos una cámara más completa y más carretes. Y no paró de trabajar. Nunca he visto nada semejante. Con las nociones técnicas que le pude enseñar y sobre todo su vida nos encontramos con un trabajo único.
Lo más triste de la historia es que un día llegó muy alterada al centro, me pidió todas las fotos que le estábamos guardando y desaparecieron para siempre. Las perdió.
Incluso una fotógrafa, que entonces colaboraba conmigo, a la que dedicaron un capítulo en ‘Detrás del instante’, me llamó para saber si quedaba algo de aquel destello para incluirlo.
La lección que aprendí es que algunos nacen y los demás nos hacemos. Así que voy a tratar de ordenar, a partir de aquí, todo lo que tenemos que hacer para ser buenos fotógrafos si no hemos sido señalados.
No todo consiste en una buena cámara y un buen dominio de Photoshop. Es solo el final de algo que empieza en nosotros. Antes del disparo, empieza el espectáculo.
Hace tiempo elegí Capture One Pro como mi programa de referencia para revelar mis fotografías. Fue una decisión muy sencilla por los motivos que vamos a ver continuación. De hecho, pienso que es el heredero perfecto de los tiempos químicos y el que mejor se adapta a los fotógrafos clásicos que seguimos pensando que la fotografía se hace con la cámara.
Capture One Pro se presentó en la desaparecida feria de fotografía Photokina de 2002. Era el software de las cámaras de formato medio Phase One. Los primeros modelos de estas cámaras necesitaban conectarse al ordenador para guardar los disparos. Además, tuvieron la importante idea de ser también compatibles con las cámaras de Canon (eran los líderes entonces).
La calidad de su motor de procesado llamó la atención enseguida. Desde entonces es capaz de sacar toda la información de los archivos RAW y permite ampliar el rango dinámico (más luces y más sombras) de nuestras fotografías.
Y todo el mundo habla de la calidad de la reproducción del color, hasta tal punto que se afirma en muchos lugares que es superior a Adobe Photoshop, cuando simplemente nos ahorra varios pasos a la hora de trabajar gracias a su herramienta Características base. No podemos confundirnos.
Pero lo que más destaco, lo que me hizo apostar por Capture One, lo que comunico a mis alumnos, es que el revelado con este programa es totalmente ‘analógico’, lo más parecido a trabajar en el cuarto oscuro con la ampliadora. El revelado se convierte en un proceso totalmente orgánico.
Y esto es algo que no tiene precio para los fotógrafos que pensamos que la fotografía se hace en el momento del disparo. Porque Capture One Pro exclusivamente es un programa de revelado fotográfico, no de diseño como Adobe Photoshop.
Hace tiempo que soy formador oficial de Capture One. En mis clases destaco las virtudes del programa para un estilo y forma de entender la fotografía.
Esto es muy importante para valorar sus cualidades. Si quieres algo que nos permita inventarnos otros mundos, Capture One Pro no es adecuado para ti. Pero si entiendes la fotografía desde un punto de vista clásico, este es tu programa.
Aquí no vas a poder cambiar la realidad que has captado, sino que vas a poder dirigir la mirada del espectador aclarando y oscureciendo zonas para que lo más valioso quede en la retina.
La forma de trabajar es totalmente viva, como si estuvieras en un cuarto de revelado con la luz roja, la ampliadora, el negativo, los químicos y el papel sensible. Pero con las ventajas del mundo digital.
Para todos los que venimos de la fotografía química, o que hemos catado en la actualidad qué es eso de trabajar con carretes, sabemos que de un mal disparo poco podemos sacar si no empezamos a inventarnos las cosas más allá de la realidad.
Con Capture One Pro solo podemos hacer, con suma precisión, eso sí, lo que podíamos lograr en el cuarto oscuro. La filosofía es la misma. Y es lo que lo convierte en la elección perfecta para los fotógrafos clásicos.
Seguro que si preguntamos qué es lo mejor de este programa, mucha gente contestará que la gestión del color. La gran mayoría de los encuestados alaban la reproducción de los colores nada más abrir sus fotografías.
Y es que el trabajo de Capture One en este apartado siempre ha sido llamativo. Simplemente, hacen parte del trabajo. Es decir, no trabajan con un espacio de trabajo ideal, como Adobe RGB (1998), sino que perfilan cada cámara para ver cómo ve un espacio de color.
Es algo que en Adobe estamos obligados a hacer nosotros mismos y pocas veces se hace. Así la interpretación del color parece mejor. De hecho, si lo hiciéramos, las diferencias serían mínimas entre ambos programas.
La gran ventaja es que podemos darle el look que queramos a nuestros archivos RAW sin esfuerzo. Si tenemos una Nikon y queremos que parezca de Leica, solo hay que elegir un perfil del fabricante alemán. Tan fácil y sencillo.
Luego están las herramientas Editor de color y Balance del color, que ya han imitado en la competencia, que permiten un control muy sutil de los tonos de nuestras imágenes.
Me confieso enamorado de las máscaras de luminosidad. Dentro de Adobe Photoshop siempre las utilizo desde el panel de Tony Kuyper. Pero cuando entro en Capture One, no puedo dejar de usar la herramienta Refinar máscara.
Las herramientas de selección de este programa son, desde mi punto de vista, las más eficaces que podemos encontrar. Solo tenemos que pintar con la herramienta Dibujar máscara y Refinar máscara hará el resto, con un degradado muy sutil. Pocas veces empleo aquí Intervalo de luma, el equivalente a las máscaras de luminosidad.
Es verdad que todavía no tenemos herramientas de IA como en la competencia, pero la rapidez del Pincel mágico es perfecta para la mayoría de los fotógrafos.
Apenas son tres puntos los que marcan la diferencia, pero son importantes para decidirse por un programa u otro.
Capture One es perfecto para los fotógrafos clásicos que hacemos la fotografía con la cámara, sin necesidad de cambiar nada sustancial posteriormente.
Para aquellos que solo sacamos la cámara si la luz es exactamente como queremos, si el cielo nos gusta como lo vemos. Si dejamos ese cable cruzando el cielo porque lo queríamos exactamente ahí y nos damos cuenta de que el trabajo principal sucede en el momento justo del disparo y solo necesitamos ajustar lo que vimos, nunca cambiarlo.
En Capture One podemos trabajar exactamente igual que en los tiempos pasados, donde solo teníamos que dirigir la mirada del espectador, aclarando y oscureciendo zonas.
No hay lugar para grandes cambios visuales con Capture One, como sucede ahora mismo con las novedades de inteligencia artificial de Adobe. Es perfecto para mejorar la luz, destacar con ella a las personas u objetos y ya.
Lo que ves es lo que tienes y puede centrar todos los esfuerzos es lograr la mejor fotografía en el momento del disparo. Es como volver a los tiempos clásicos de la fotografía. ¿Es tu programa?
La inteligencia artificial va a cambiar cómo entendemos el mundo. Es una revolución similar a la aparición de la rueda, el uso del fuego o la presentación de internet. Y depende de nosotros, los fotógrafos, que la inteligencia artificial y la fotografía no se enfrenten y que de una sola.
Cada vez aparecen más noticias en los periódicos en los que la IA fotográfica es protagonista. Y siempre se termina hablando de engaño y manipulación. Las fotos del papa Francisco, el encuentro entre Yolanda Díaz y Pablo Iglesias, la detención de Donald Trump. Y más que aparecerán.
Lo más grave es que se enseñan con el ánimo de manipular a la opinión pública. Y da miedo el camino que está tomando. Sobre todo porque algunas han aparecido hasta en portadas de periódicos nacionales y colmado las redes sociales.
Pero no solo está tocando el campo del fotoperiodismo, sino que muchas especialidades parece que tienen sus días contados: moda, gastronomía, corporativa, retrato… La lista es cada vez más larga ¿Podrá la inteligencia artificial sustituir a los fotógrafos?
No soy Joan Fontcuberta, el gran teórico. Pero pienso que el archivo generado a través de un prompt no es fotografía. De hecho, la fotografía es la única manifestación artística en la que es imprescindible estar ahí, en el momento que decides disparar.
… La fotografía es la única manifestación artística en la que es imprescindible estar ahí, en el momento que decides disparar.
Y es una forma de opinar, de expresarse. Cuando vemos una IA estamos contemplando el resultado de una suma de búsquedas en la red, nunca un pensamiento, fruto de aciertos y errores, del libre albedrío de un autor.
Una fotografía es una interpretación personal de la realidad de aquel que porte una cámara. Y es muy difícil conseguir una buena imagen. No es tan fácil como dar a un botón.
Las imágenes hechas con IA son el resultado de la información recogida en la red. Lo que no está ahí no aparece. Y lo que es mentira puede tomar demasiado protagonismo.
Con la ayuda de una buena descripción te ofrece lo que buscas, pero te resta lo más importante, que es la experiencia de haber vivido lo que tienes delante. Es fruto de la pura imaginación interpretando la realidad en los límites de la ciencia ficción. Y luego está el tema de los derechos del autor, una de las patatas calientes de la IA.
Con la inteligencia artificial todo es más rápido y entramos en el mundo que nos contaba la ciencia ficción. ‘Her’ está muy cerca, ‘Terminator’ es nuestro mayor miedo; y parece que alguna vez entraremos en el dilema moral de ‘Blade runner’, la obra inmortal de Ridley Scott a partir de la novela de Philip K. Dick.
La inteligencia artificial trabaja en el desarrollo de algoritmos y sistemas que pueden simular la inteligencia humana. Su intención es lograr que los ordenadores trabajen de forma autónoma. Estos son los logros que sigue la IA en la fotografía (según ella misma):
Los primeros puntos que señala ella misma (una simple consulta en ChatGPT) son acogidos con gran alegría por parte de los fotógrafos, como por ejemplo la impresionante eliminación del ruido en Adobe Photoshop.
Pero llama la atención que deje en último lugar el punto más polémico, el de la generación de imágenes. Si no os habéis adentrado en este mundo, os invito a mirar Dall-E, Midjourney, Leonardo, Stable Diffusion o Adobe Firefly.
Estas son algunas de la IA, unas gratuitas y otras de pago, que con solo ponerle una descripción logran sacar algo parecido a una imagen. Tanto de fantasía como tan real como si estuviera hecha con una cámara.
Y que conste que no es tan fácil como imaginar, escribir y listo. Hay que hacer pruebas, entrenarla y buscar qué es lo que funciona bien. De hecho, dicen que una de las profesiones del futuro será la de ingeniero de prompt.
Si sabes qué es esto de la fotografía, y diferencias los tipos de objetivos, los diafragmas y las velocidades de obturación, los nombres de los diferentes efectos, tus resultados serán mucho mejores.
Os recomiendo pasear por las galerías que empezamos a ver en Instagram, donde empieza a ser complicado distinguir ambas formas de expresión. Destaco, por ejemplo, el trabajo de @franckgerardart con la fotografía de moda.
He hablado con muchos compañeros. Unos ven el futuro negro, otros todavía no han profundizado y algunos vemos un nuevo horizonte. El otro día me recordó @piratalarios que la IA supondrá lo que la misma fotografía hizo por la pintura cuando se presentó en el siglo XIX.
Liberó a la pintura del realismo y pudo adentrarse en las vanguardias. Todo cambió en la historia del arte. Los pintores ya no tenían que buscar la representación de la realidad. Y podía buscar la interpretación de la misma, la capacidad de ver de otra manera.
Uno de los mejores libros de Bernard Plossu
Llegamos a la conclusión de que la IA permitirá a la fotografía volver al realismo, a la visión personal del autor. Veremos más Plossu y menos neopictorialismo; más Avedon y menos luces imposibles de Islandia.
En la fotografía volverá a contar la visión del fotógrafo y no su destreza con el programa de revelado. Más dirigir la mirada del espectador y menos efectos de capas que dejen la boca abierta, pues estos solo tendremos que escribirlos.
Así que tendremos que definir más nuestro estilo. Y poner un sello fotográfico, que es el mero hecho de la experiencia, el haber estado justo en el momento en el que todo lo que vemos ha pasado. La inteligencia artificial y la fotografía se diferencian, por ahora, en que la primera es incapaz de ofrecernos este destello de realidad.
’Región. Paisaje, fotografía y patrimonio’ es una de las exposiciones de mayor envergadura que he visto. Su objetivo es mostrar la Comunidad de Madrid y dejar un legado que cuente cómo es en el siglo XXI. Esta exposición la podemos ver hasta finales de mayo en las dos salas de exposiciones de El Águila.
Hacer una exposición sobre Madrid es uno de los mayores retos que existen. Si además están implicados 33 fotógrafos, el director de arte Paco Gómez, la dirección científica de la arquitecta y paisajista Mónica Luengo; y la dirección técnica de David Rejano, responsable del Área de Difusión y Educación Patrimonial de la Subdirección General de Patrimonio Histórico, puede parecer una misión imposible. Y todos ellos lo han conseguido. Así es la Comunidad de Madrid en la segunda década del siglo XXI.
Vamos a ver un “proyecto artístico que el Ejecutivo regional encargó a 33 fotógrafos residentes en la región, entre febrero y julio del pasado año, con el objetivo de capturar el paisaje, su territorio, gente y costumbres”.
No es fácil trabajar en una exposición sobre Madrid, con 179 municipios y 21 distritos en la capital. Con espacios tan distintos como el barrio de Moratalaz y la cumbre de Peñalara. La idea es darles la misma relevancia.
Las fuentes de inspiración de esta exposición sobre Madrid, según podemos leer en la nota de prensa, son la Farm Security Administration y la misión DATAR francesa de los años ochenta.
Gracias a la exposición Paisajes enmarcados. Misiones fotográficas europeas, 1984-2019 de la Fundación ICO en PhotoEspaña 2019, encontramos otros proyectos similares que buscaban reflejar lo que ha ocurrido en un lugar determinado por la acción del hombre. De hecho, en la presentación se preguntaron por qué en España no se había hecho nada similar.
Aquellos proyectos son historia y dieron al mundo algunas de las imágenes más inolvidables del siglo XX. Y una fuente de información que irá siendo más importante con el paso de los años.
Es imposible explicar la Gran Depresión de los años 30 sin las fotografías de Dorothea Lange o Walker Evans. O ver Normandía sin los ojos de Gabriele Basilico. Los cambios por la caída del Muro son más claros gracias al trabajo de Thomas Wolf en ‘Fotografía y memoria’ del gobierno alemán.
Es verdad que se realizaron con más tiempo y que, sin lugar a dudas, tuvieron un apoyo mayor por parte de los políticos. En la presentación de nuestra exposición solo estuvo la consejera de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz.
Dentro de unos años los políticos habrán cambiado. Y seguro que podremos consultar estas fotografías en el futuro para ver cómo hemos cambiado. Y la sensación será exactamente igual que lo que sentimos ahora cuando vemos los trabajos de años pasados. Es uno de los pilares de la fotografía, reflejar el paso del tiempo.
‘Región. Paisaje, fotografía y patrimonio’ toma prestado el nombre del territorio inventado por Juan Benet. Está lejos de lo que muchos querrían ver. No es mágica, no es turística, no aparecerá en las campañas políticas porque puede que ni la hayan visto. Es pura fotografía, donde el paisaje se hace historia.
Hay una cita del polifacético David Byrne, que recuerda su director artístico en las redes, que define a la perfección la exposición y el catálogo: ’He estado en paisajes hermosos donde uno está tentado de sacar una cámara y tomar una foto. He aprendido a resistirme a ello’.
Aquí no verás la grandiosidad de los monumentos, ni la quintaesencia de los pueblos. Ni siquiera hace sol en todas las instantáneas. Es un proceso de documentación histórica que aporta 1.990 imágenes libres de derechos, que se integran en un archivo de dominio público.
Es el esfuerzo de 33 fotógrafos, 17 mujeres y 16 hombres que viven dentro de las fronteras madrileñas. Equipados con su cámara, en algunos casos con su trípode y sobre todo con sus experiencias.
No es una exposición neopictorialista, llena de colores, filtros y horas de edición para sacar cielos que no existen y eliminar la realidad no pintoresca. Ni siquiera puede ser verdad, faltaría más.
Ahí están las consecuencias del cambio climático, los pueblos vacíos, las casas rotas, el crecimiento sin control de los barrios, los contrastes… Solo en algunos casos encontramos la grandiosidad del paisaje, como vemos en las fotografías de Fernando Maselli o Rafael Trapiello.
Son 33 miradas que cuesta distinguir, porque el objetivo es enseñar Madrid, documentar una época de tal forma que el autor se convierte en ventana, como diría John Szwarkoski. Es un trabajo coral en el que te tienes que detener disparo tras disparo.
Casi soy un gato, y tengo muchos vínculos con Madrid. Es mi barrio, mi ciudad y mi pueblo, Villalbilla. Y no paré hasta que encontré cada uno de mis paisajes familiares o personales. Me encantó encontrar a gente conocida en las imágenes de un lugar que yo veo de otra forma. Esa es la riqueza de la fotografía.
No queda nada más que quitarme el sombrero ante el trabajo de muchos. Artistas como Susana Girón, Laura C. Vela, Jorquera, el mismo Paco Gómez, Ana Amado, Lucía Antebi, Juan Baraja, Teo Barba, Jonás Bel, Alfredo Cáliz, Carma Casulá, Nicolás Combarro, Beatriz S. González, Julio López Saguar, Manuela Lorente, Carlos Luján, Fernando Maquieira, Fernando Maselli, Adriana Martínez, Laura Martínez Lombardía, Elisa Miralles, Ana Nance, Eduardo Nave, Sofía Moro, Carla Oset, María Primo, Miren Pastor, Adrian Tyler, Juan Valbuena, Antonio M. Xoubanova, Montse Zamorano e Irene Zottola.
Es una exposición que se descubre con varias visitas y un catálogo que espero poder comprarme algún día en un arrebato. Pocas veces puedes descubrir un espacio que creías conocer. Todo cambia cuando miras a través de una cámara.
Entrada libre y gratuita
La fotografía es una de las mejores formas que existen de contar cómo vemos el mundo. De hecho, es la única manifestación artística que exige que el autor esté delante de lo que está pasando. Y esto es algo que se olvida y muchas veces ni se aprecia. Por eso es necesario un congreso, como el que se ha celebrado estos días en Alcalá de Henares, organizado por la Plataforma Centro de Fotografía e Imagen en colaboración con la Universidad de Alcalá.
Con un título inspirado en el famoso ensayo de Susan Sontag, el congreso ha llenado dos días y medio de ideas. Todo para lograr que el Centro de la Fotografía tome forma definitiva. Y que no se rompa por los trámites burocráticos, las carencias económicas, las ideas políticas o las opiniones personales (es un trabajo en equipo, abierto a todo aquel que quiera participar).
Para que todos los fotógrafos se vean representados, además de las mesas redondas con profesionales del sector, hemos tenido la oportunidad de escuchar más de 60 presentaciones que nos han llevado por todos los caminos que nos ofrece la cámara, hasta esa autopista con coches voladores que es la Inteligencia Artificial.
Todos nosotros queremos vivir en la fotografía. Queremos trabajar y el horizonte es desolador. En la mesa ‘Vivir de la fotografía’ dieron forma a la economía de la fotografía española. Y prácticamente no existe. Nos movemos por la pasión, por la necesidad de contar cosas y en general, no sabemos conseguir el dinero.
El planteamiento más repetido por los ponentes es salir, buscar fuera de nuestras fronteras todo lo que no encontramos aquí. Duele escuchar a los fotoperiodistas como Santi Palacios o Emilio Morenatti, con grandes premios internacionales, los problemas económicos que sufren para ir a las zonas en conflicto.
O a Eugenio Recuenco, que llegó a decir que la fotografía, tal como la conoció, había muerto. Y es que estos años de vorágine digital han cambiado todo. La fotografía ha dado un vuelco y nos tenemos que adaptar.
Es difícil ganar dinero con cualquier disciplina. Es complicado conseguir apoyos, becas y el apoyo del público. Parece que lo que no sea gratis, de consumo rápido, está condenado al fracaso. Queda alguna esperanza, pero se fueron los días de vino y rosas para la mayoría.
Otra lacra es la falta de educación visual. No hay cultura fotográfica. La gente bosteza si hablas de historia o estética. Los más jóvenes prefieren saber cómo borrar fondos antes que conocer la importancia de Eugene Atget.
Mucha gente viene directamente de la fotografía móvil, de los miles de fotografías diarias que consumimos y esta saturación corre el peligro de convertirse en ruido, lo que termina provocando ceguera, como comentó Daniel Pitarch del Taller Estampa, en una de las mesas dedicadas a la educación.
El mercado ha ayudado mucho a olvidarse de la formación. Aquel lema de Kodak ‘usted apriete el botón que nosotros hacemos el resto’ se sigue aplicando. Es muy comercial pero demasiado simple. Y se sigue insistiendo en lo mismo en la publicidad actual.
Hoy todo parece sencillo y que solo hace falta el dispositivo más caro para hacer la mejor fotografía. La tecnología fotográfica crece en función de las necesidades creadas al aficionado y muchos solo quieren hacer las fotos que ven en las portadas. Prefieren ignorar lo que cuesta realmente hacerla, todo lo que hay detrás. Y mientras eso no cambie, poco podemos hacer.
Organizar un congreso de tales dimensiones es un reto para cualquier persona. No es fácil poner de acuerdo a tanta gente de distinto tipo y condición.
Si alguna vez has asistido a una junta de vecinos, o lees las noticias del gobierno en dos periódicos distintos, sabrás que es imposible que todo el mundo esté de acuerdo (sería algo absurdo y distópico en un congreso de estas características).
‘Sobre fotografía’ ha servido para contrastar ideas, para intentar descubrir de una vez por todas qué es la fotografía, aunque la definición de Paco Gómez que dio Juan Manuel Castro Prieto es muy válida: lo que se ve a través del visor. Y no es la realidad, es como la vemos.
Para saber qué necesita, para lograr cambios y saber cómo podemos mejorar y guardar los archivos que se pierden día tras día. Y sobre todo para gestionar el verdadero cambio en la fotografía actual, que no es la fotografía móvil, sino la inteligencia artificial que todo lo cambia.
Pero no olvidemos que la fotografía mira al mundo directamente, mientras que la IA lo descubre a través de las imágenes de las cuales se nutre. En esencia, no tienen nada que ver, es una compleja e interesante relación de dependencia.
Los fotógrafos y fotógrafas tenemos que estar ahí, trabajando al pie del cañón, buscando soluciones, dando ideas, echando una mano como grupo. Nos jugamos mucho.
Ahora viene el trabajo de recopilar toda la información y pasársela al ministerio de Cultura para la creación del Centro que esperamos llegue pronto y se convierta en una referencia internacional. Y con todo el equipo que está detrás, ese que aplaudimos sin parar al final del congreso, seguro que será así. Y si te interesa, firma.
Habréis observado que llevo tiempo sin publicar por aquí. El motivo es que ahora colaboro con Xataka Foto, uno de las páginas de fotografía con más seguidores de habla hispana. Pero esto no significa que abandone mi propia página, como veréis a continuación con este vídeo de blanco y negro.
Texto es la última herramienta que voy a comentar en esta serie. Convierte al programa en un editor de textos muy completo. Los fotógrafos lo utilizaremos para poner nuestra firma o para introducir un título, y en el peor de los casos para poner una marca de agua. No es fundamental para nosotros, pero conviene conocerla.
Seguir leyendo Herramientas fotográficas de Photoshop: Texto
Degradado es la penúltima herramienta que vamos a ver en esta guía de Adobe Photoshop. Hemos hablado de las que podemos utilizar como fotógrafos y que realmente nos pueden ser útiles para el día a día. Esta tiene alma de filtro clásico y quizás sea la función más adecuada para fotógrafos como nosotros. Veamos si podemos hacer más cosas con ella.
Seguir leyendo Herramientas fotográficas de Photoshop: Degradado
Cuentagotas es una de las últimas herramienta de Adobe Photoshop que veremos en esta guía de herramientas fotográficas. Principalmente sirve para seleccionar el color de fondo y el color frontal, pero tiene alguna que otra función escondida.
Seguir leyendo Herramientas fotográficas de Photoshop: Cuentagotas
